Belgian National Orchesta & González-Monjas

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Concerto pour violon n°4 en ré majeur, K. 218 (1775)

• Allegro
• Andante cantabile
• Rondeau: Andante grazioso – Allegro ma non troppo

Modest Muossorgsk (1839-1881) / Maurice Ravel (orchestration) (1875-1937)
Tableaux d’une exposition (1874/1922)

• Promenade
• 1. Gnomus
• Promenade
• 2. The Old Castle
• Promenade
• 3. Tuileries
• 4. Bydło
• Promenade
• 5. Ballet of the Chicks in Their Shells
• 6. Samuel Goldenberg and Schmuÿle
• 7. Limoges
• 8. Catacombs
• Cum mortuis in lingua mortua
• 9. The Hut on Fowl's Legs
• 10. The Great Gate of Kiev

concert sans pause, fin prévue à 21h10

Le premier chef invité Roberto González-Monjas a débuté sa carrière comme violoniste soliste, premier violon et musicien de chambre. Même s’il s’est réorienté vers la direction d’orchestre, il poursuit parallèlement une carrière de violoniste. Il lui arrive même de jouer et de diriger en même temps, comme pour le formidable enregistrement de la Sérénade n° 7 de Mozart avec le Musikkollegium Winterthur. Ce soir, il interprète et dirige le Belgian National Orchestra dans le Concerto pour violon n°4 de Mozart, une oeuvre que le compositeur autrichien a écrite en 1776 alors qu’il était au service des princes-évêques de Salzbourg.

Envie d'en savoir plus ? Découvrez l’interview avec Roberto González-Monjas. 

Tableaux d’une exposition est l’oeuvre la plus célèbre de Moussorgski. C’est après avoir vu une rétrospective d’oeuvres du peintre et architecte russe Viktor Hartmann, un ami proche décédé inopinément, que Moussorgski eut l’idée de composer ce cycle pour piano. Dix esquisses du peintre ont servi d’inspiration aux dix tableaux musicaux de Moussorgski. Ces tableaux seront reliés entre eux par des « promenades », de brèves compositions qui symbolisent le parcours du visiteur d’une oeuvre à l’autre. Un gnome aux jambes tordues ouvre l’exposition, qui se poursuit dans un voyage plein de fantaisie qui fait entendre les cris d’enfants se chamaillant dans le Jardin des Tuileries, un ballet de poussins encore dans leur coquille, la pénombre des catacombes et l’isba de Baba Yaga perchée sur des pattes de poulet. L’exposition s’achève sur le tableau de La Grande Porte de Kiev, un morceau de bravoure virtuose pour pianistes brillamment arrangé par Maurice Ravel (dont l’orchestration des Tableaux d’une exposition est présentée ce soir). L’arrangement de Ravel se distingue également par l’utilisation des saxophones, qui illustrent notamment le deuxième tableau : Il vecchio castello.

Mozart, Concerto pour violon n° 4

Le père de Mozart, Leopold était un excellent violoniste. Il publia d’ailleurs, à Augsbourg, en 1756 – l’année même de la naissance de son fils – une méthode de violon (Versuch einer gründlichen Violinschule) qui devint rapidement un ouvrage de référence. Il semble toutefois que Wolfgang n’ait pas montré beaucoup de zèle dans l’apprentissage de cet instrument. Cela ne l’empêcha pas de se produire, à l’âge de sept ans, dans un concerto de sa composition et de faire sensation aux côtés de l’orchestre de la cour, à Salzbourg. Par la suite, Wolfgang Amadeus poursuivit la pratique du violon et de l’alto, en simple passe-temps. 

En 1775, Mozart, âgé de 19 ans, rentre d’un séjour de quatre mois à Munich où il s’est produit avec beaucoup de succès. En l’espace de huit mois, il compose, probablement pour lui-même, une série de cinq Concertos pour violon dans lesquels on voit se dessiner progressivement un style personnel, de plus en plus affranchi des modèles italiens. Son instrument de prédilection restera toutefois toujours le piano, pour lequel il écrira au total vingt-sept concertos dont la composition s’étend sur une vingtaine d’années. Dans une lettre à son père, Mozart indique d’ailleurs clairement qu’il souhaite diriger l’orchestre du clavier et non de l’archet. 

Dans les trois derniers concertos, les plus couramment joués, Mozart renoue avec le style italien tout en instillant une conception plus personnelle tant aux niveaux technique, esthétique que spirituel. Virtuosité et invention y sont les maîtres-mots, au point de rompre avec la rigidité des formes traditionnelles de chaque mouvement. Dans l’Allegro initial du Concerto pour violon et orchestre n° 4, la réexposition finale s’effectue sans le premier thème caractéristique en accords brisés. Dans l’Andante cantabile, sommet expressif de l’œuvre, Mozart n’adopte pas la coupe tripartite habituelle mais juxtapose simplement deux parties identiques. Enfin, dans le Rondeau final – notons l’orthographe française –, l’alternance classique entre refrain et couplets est rompue par l’irruption d’un épisode savoureux, en imitation de vielle à roue. Le thème de cette musette proviendrait de Strasbourg, ce qui expliquerait que Leopold et Wolfgang parlent de Concerto de Strasbourg dans leur correspondance. 

Daté d’octobre 1775, le Concerto n° 4 place le soliste en position dominante, reléguant l’orchestre à un rôle de simple accompagnateur. La tonalité de ré majeur n’est pas innocente puisqu’elle permet au compositeur d’utiliser le grave de l’instrument sur les cordes à vide de sol et ré. En dépit des nouveautés mentionnées, Mozart fait des emprunts plus ou moins directs à deux de ses aînés : Boccherini, tout d’abord, auteur lui aussi d’un Concerto en ré majeur dont le plan, des détails, et même des thèmes semblent avoir été source d’inspiration ; ensuite Haydn, dont l’Andante varié de la Symphonie n° 53 « L’Impériale » a inspiré le refrain du finale mozartien. 

Moussorgski, Tablaux d’une exposition 

Modest Moussorgski compose les Tableaux d’une exposition suite à une rétrospective de dessins et croquis de son ami architecte Victor Hartmann, décédé en 1873. La partition voit le jour en trois semaines, sous une poussée d’inspiration exceptionnelle. Le compositeur confie dans une lettre écrite en juin 1874 et adressée à Vladimir Stassov : « Hartmann bouillonne […]. Les sons et les idées sont suspendus dans l’air, j’en absorbe jusqu’à m’en gaver, et j’ai à peine le temps de les coucher sur papier ». 

Moussorgski puise son inspiration davantage dans les sujets représentés que dans l’esthétisme des œuvres elles-mêmes. Ce sont les scènes pittoresques de la vie quotidienne qu’il souhaite traduire en musique : « La vie, partout où elle se manifeste, la vérité, si amère soit-elle, un langage audacieux et sincère, à bout portant, voilà ce que je veux ». 

L’œuvre s’ouvre sur une Promenade où Moussorgski se dépeint lui-même, flânant parmi les tableaux. Ce thème jalonne l’œuvre, à la manière d’un leitmotiv. Tantôt mélancolique, tantôt animé, le compositeur nous y entretient de ses émotions pendant la visite de l’exposition. 

Le premier tableau, Gnomus, dépeint un nain difforme qui fait brutalement irruption dans la partition. Celui-ci claudique et trépigne, accompagnant ses soubresauts grotesques de cris sauvages. Parsemée de dissonances, de chromatismes et de trilles menaçants, la pièce se referme sur une fuite haletante des deux mains aux extrémités du clavier. 

Une nouvelle Promenade mène à une œuvre d’une singulière beauté, Il vecchio castello (le vieux château), représentant un troubadour au premier plan. Dans un climat intemporel, elle énonce deux mélodies sur une infatigable pédale de tonique. L’une est une sorte de ritournelle et l’autre, une cantilène empreinte de nostalgie. 

Après une Promenade aux allures martiales, Tuileries décrit les taquineries d’enfants un peu espiègles dans les jardins de Paris. Dans Bydlo (bétail, en polonais), une basse obstinée décrit la marche de bœufs tirant un lourd chariot. Un chant robuste et nostalgique s’amplifie, à l’image de la charrette qui se rapproche, avant de s’éloigner pesamment dans le grave. 

Après une Promenade énigmatique, le Ballet de poussins dans leurs coques est un trio gracieux où les mains miment les piaulements et la danse, multipliant les accords légers, les ornements et les trilles. 

Samuel Goldenberg et Schmuyle trace le portrait de deux hommes dont l’un est riche et l’autre, démuni. La pièce illustre le souhait de Moussorgski de « traduire de façon aussi vivante que possible les changements abrupts d’intonation qui viennent aux personnes en cours de dialogue pour en arriver à une mélodie créée par la parole humaine. » Le rythme pointé arrogant du riche s’oppose aux gémissements fébriles de son interlocuteur, qui se fait brutalement rabrouer. 

Une Promenade mène ensuite au Marché de Limoges. Les cris et les commérages sont décrits par des notes répétées et des accords à contretemps. L’animation de cette scène bariolée est brutalement interrompue par le martèlement des deux mains qui s’engouffrent dans le grave. Le choral Catacombae. Sepulchrum romanum multiplie les contrastes dynamiques, alternant les accords retentissants et les pianissimos murmurés. Cum mortis in lingua morta ramène le thème de la Promenade dans des sonorités spectrales. 

La Cabane sur des pattes de poule illustre la demeure de la féroce Baba-Yaga. Moussorgski décrit la chevauchée de cette célèbre sorcière des contes russes. Il traduit ses bonds fracassants dans une mélodie sauvage aux allures de fougueuse improvisation. 

Le dernier tableau dépeint la structure massive de La grande porte de Kiev. Avec ses accords liturgiques, il évoque un chœur entonnant un cantique orthodoxe. Des carillons retentissent au loin. La Promenade se mue en cortège et le cycle se referme en apothéose sur ce majestueux épilogue. 

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