Percussion Happening

19:00 - 19:30 Bl!ndman Drums (Terarken)

Julia Wolfe (°1958)

Forbidden Love (2019)

20:00 - 21:00 Alexandre Babel, Stéphane Garin, Amélie Grould & Tom De Cock (Salle Henry Le Bœuf)

Ryoji Ikeda (°1966)

Ball Music, op. 10

Body Music, op. 4

Metal Music, op. 5

21:30 - 22:00 Groove& (Salle Henry Le Bœuf)

22:30 - 23:30 Mark Guiliana (Terarken)

MARK (2024)

Forbidden Love, ou ce qui, en principe, ne devrait pas être permis. Durant ses études au conservatoire, notre artiste phare, Julia Wolfe (°1958), se vit confier, dans le cadre du cours de Creative Musicianship, la tâche de composer une courte pièce pour un instrument de son choix, en l’abordant de manière résolument non conventionnelle. Lorsque, en 2019, l’ensemble So Percussion la sollicite pour une commande similaire, Wolfe replonge aussitôt dans ses années d’études et entreprend l’écriture d’un quatuor à cordes. Du moins, en apparence. Au lieu de quatre instruments à cordes, ce sont en effet quatre percussionnistes qui interprètent respectivement les parties de violon, d’alto et de violoncelle, en explorant ces instruments de façon totalement atypique. Point de mélodies romantiques ici, mais des motifs rythmiques et des expérimentations sonores nées du frappement des cordes, du frottement du bois et de l’emploi d’une multitude de techniques inattendues. Quatre percussionnistes de Bl!ndman relèvent le défi et renversent l’instrument de fond en comble. Même privée de sa lyrique traditionnelle, le violon a encore quelque chose à dire. Julia Wolfe a dédié cette œuvre à Jane Heirich, « cette enseignante remarquable qui, lors de ce cours déterminant, m’a pour la première fois invitée à sortir des sentiers battus ». 

music for percussion 1 & 2 (2016–2020) 

En 2015, le percussionniste français Stéphane Garin, mon collaborateur de longue date, m’a présenté Alexandre Babel, alors directeur de l’ensemble suisse de percussion EKLEKTO. Cette rencontre a marqué le point de départ. 
Stéphane était l’interprète de ma performance audiovisuelle superposition, aux côtés d’une autre percussionniste française, Amélie Grould. 

Superposition intégrait diverses technologies numériques et assignait aux percussionnistes des tâches plutôt inhabituelles : manipulation de clés télégraphiques, diapasons, frappe au clavier, utilisation de caméras CCD microscopiques sur des tables lumineuses, et bien plus encore. 

J’ai travaillé avec Stéphane et Amélie de cette manière pendant plus d’une décennie, et Alex s’est montré tout aussi ouvert d’esprit et enthousiaste à l’idée d’explorer une direction similaire. Nous nous sommes très bien accordés dans notre approche de la musique pour percussion. 
Depuis lors, nous avons travaillé très étroitement ensemble, ce qui a conduit à la création de nombreuses pièces miniatures pour percussion. 

BALL MUSIC [pour trio], op. 10 (2020) 

I. bille 
II. ping-pong 
III. basketball 

Les balles — objets sphériques — servent d’instruments à trois interprètes. 

Billes : 
Une composition méditative utilisant des billes. Chaque interprète fait tourner des billes dans un bol de cuisine, créant des trajectoires subtiles. 
Ces passages délicats se répondent et interagissent à travers les trois bols. 

Ping-pong : 
Un contrepoint microscopique pour six balles de ping-pong. Chaque interprète utilise deux balles pour produire un rythme complexe mais ludique. 
La performance devient une chorégraphie précise de gestes millimétriques des doigts. 

Basketball : 
Une composition ludique pour trois ballons de basket. 
Les interprètes font rebondir leurs ballons afin de créer une structure polyrythmique où le sport rencontre la musique. 

BODY MUSIC [pour duo], op. 4 (2016) 

Le corps lui-même sert d’instrument dans cette pièce. 
Deux interprètes sont assis sur des chaises et utilisent leurs mains pour frapper, leurs cuisses pour taper et leurs pieds pour piétiner. 
La structure compositionnelle est entièrement rythmique et minutieusement contrapuntique, malgré l’absence d’harmonie. 
L’exécution brouille la frontière entre ce que nous voyons et ce que nous entendons — mettant parfois notre perception à l’épreuve, notamment lors de passages complexes. 
Grâce à son dispositif simple, la pièce peut être interprétée n’importe où, par exemple dans un café. 

METAL MUSIC, op. 5 (2016) 

I. triangles [pour duo] 
Le triangle peut sembler simple, voire ennuyeux — mais il ne l’est pas. Il recèle un grand potentiel par sa pureté, sa riche résonance de fréquences et une dynamique souvent sous-estimée. 
La structure compositionnelle repose entièrement sur un contrepoint microscopique, permettant aux objets métalliques de résonner les uns avec les autres de manière inattendue. 
À son apogée, les ondes sonores peuvent remplir même un grand espace, offrant au public une expérience sonore immersive. 

Ryoji Ikeda

La musique traditionnelle coréenne — également connue sous le nom de gugak — possède une histoire riche et diversifiée, avec de nombreuses ramifications allant de la musique de cour et des chants populaires à l’accompagnement de rituels chamaniques. Intrépides, les trois percussionnistes coréennes traditionnelles de Groove& en proposent une interprétation très personnelle. Elles partent de rythmes traditionnels qu’elles transforment en une musique nouvelle, portée par un groove irrésistible et sophistiqué, tantôt spectaculaire, tantôt empreint de subtiles nuances. Les trois musiciennes sont armées d’un large éventail d’instruments de percussion coréens. Au centre se trouve le kkwaeng-gwa-ri — un petit gong perçant, dont le nom est probablement l’écho du son qu’il produit : « kkwaeng-kkwaeng ». On y trouve également l’ul-la scintillante (dix disques en laiton accordés selon la gamme et suspendus dans un cadre vertical), le yang-geum (un dulcimer joué avec des marteaux), le grand gong jing, le bang-ul (de petites clochettes sphériques secouées), le bak (un faisceau de lattes de bois qui claquent les unes contre les autres) et le janggu (un tambour en forme de sablier doté de grandes peaux tendues par des cordes). 

Depuis de nombreuses années, Mark Guiliana s’impose comme l’un des batteurs contemporains les plus originaux de sa génération. Outre ses propres formations, telles que Heernt et le Mark Guiliana Jazz Quartet, il a collaboré avec des figures majeures de la scène musicale internationale, parmi lesquelles Brad Mehldau (Mehliana), Avishai Cohen et David Bowie (Blackstar). Avec MARK, Guiliana livre en 2024 son premier album solo, une réalisation saluée par une nomination au Grammy Award 2025 dans la catégorie Best Contemporary Instrumental Album. Mais le terme « solo » est ici tout sauf synonyme d’austérité ou de monotonie. Sur cet album, Guiliana joue non seulement de la batterie, mais aussi du piano, du vibraphone, du marimba, du célesta, de l’harmonium, des synthétiseurs, de l’électronique, ainsi que de divers instruments de percussion issus des sept continents. Sans oublier qu’il en assure également la production. Affranchi de toute contrainte stylistique, il explore avec enthousiasme de nouveaux territoires sonores. Les grooves caractéristiques de Guiliana s’inscrivent avec naturel au cœur de paysages sonores captivants, de synthétiseurs inattendus et de fragments de spoken word. À travers cette musique, Mark Guiliana se livre à une introspection et interroge les questions éternelles de l’identité et de l’épanouissement personnel : qui suis-je, où vais-je et quelles sont mes valeurs ? Le magazine Jazz Trail ne s’y trompe pas : « Avec une large palette de grooves et de rythmes, MARK est une affirmation d’individualité et de liberté, qui renforce le statut de Guiliana en tant que musicien résolument visionnaire. »