À Bozar, vous avez l’occasion de présenter trois projets différents. Y a-t-il un fil conducteur dans votre travail ? 

On ne peut travailler qu’à l’intérieur de sa propre grammaire et de sa propre langue. Dans mon cas, il s’agit d’explorer mes limites et d’essayer de grandir. Dans le cadre de collaborations, j’ai le sentiment de pouvoir toujours apprendre quelque chose. Je suis loin d’avoir dit mon dernier mot. Je reste curieux. Le fil conducteur, je pense, est une approche profondément personnelle basée sur ma propre vie et mes propres souvenirs. 

Diriez-vous que votre travail porte davantage sur les souvenirs ou également sur l’exploration sonore ? 

Les deux. Il y a toujours des gens qui disent qu’il y a un côté romantique dans ma musique. Et c’est vrai. Mais en même temps, il y a aussi une approche très scientifique. J’essaie de faire coexister ces deux aspects. Je ne dois pas oublier le côté émotionnel de la musique, car il est important pour moi et c’est pourquoi j’aime aussi la musique pop et classique. Mais en même temps, je m’intéresse beaucoup à la technologie et à ce qu’elle peut m’apporter. Il y a actuellement beaucoup de discussions sur l’intelligence artificielle et je trouve cela fascinant. Je n’y suis pas opposé. Je dois juste trouver un moyen d’y entrer. 

En parlant de nouvelles technologies et en pensant au 25e anniversaire d’Endless Summer : êtes-vous nostalgique de 2001 ? 

C’est certainement un projet empreint de nostalgie. Je viens de faire la même chose avec mon album Venice de 2004 pour la Biennale de Venise, il y a quelques semaines. Préparer cet événement, c’était comme voyager dans le passé. Et ce n’est pas toujours agréable.  

Votre interprétation de l’album a-t-elle été influencée par le temps qui passe ? Avez-vous développé de nouvelles approches au fil des ans ? 

Peut-être. Je ne sais toujours pas si je dois simplement interpréter l’ancien album tel quel ou y apporter quelques modifications ici et là. Je le découvrirai au cours du processus de travail. 

Est-ce que vous avez encore cette musique dans les doigts après toutes ces années ? 

Certaines choses n’existent plus. (rires) Certains enregistrements ont disparu et d’autres sont impossibles à jouer, comme le premier morceau d’Endless Summer. Je l’avais improvisé sur une guitare à cordes en nylon via un patch Max/MSP. J’ai encore cette guitare, mais je n’ai plus le patch. Je vais donc devoir trouver des moyens de le reproduire. 

C’est intéressant. L’album n’est pas si vieux, comparé à un ancien document lacunaire, mais ici aussi, il manque quelque chose, il y a une ouverture. 

Exactement, c’est ce qui pose problème dans ce cas. J’y travaille encore mais je n’ai pas encore tout à fait trouvé ma voie. roblem here. I'm still working on it, and I haven't really yet found my way through it. 

Endless Summer a été un succès commercial. Diriez-vous que cet album a également marqué un tournant artistique pour vous ? Ou y a-t-il d’autres projets qui ont été tout aussi importants ? 

D’un point de vue artistique, c’est en fait le premier album, Hotel Paral.lel, qui m’a fait dire : « OK, c’est dans cette direction que je veux aller ». Mais en écrivant Endless Summer, je savais que c’était plus pop que tout ce que j’avais fait jusqu’alors, et que ça toucherait probablement un public plus large. Ce n’est pas que je m’y attendais, mais je savais que ça pouvait arriver… et c’est arrivé.  

Vous allez le présenter avec l’artiste Lillevan. Comment cette collaboration est-elle née ? 

Lillevan et moi avons souvent joué ensemble au fil des décennies. J’apprécie beaucoup son langage visuel. C’est un artiste vidéo et un excellent improvisateur. Je composais en live sur scène et il faisait la même chose avec un patch vidéo. De plus, il connaît très bien Endless Summer. Nous avons joué beaucoup de morceaux ensemble, mais pas encore l’album entier. 

Ryuichi Sakamoto, Mike Patton, David Sylvian, Mark Linkous... La liste de vos collaborations donne le vertige. Celle avec Jim O’Rourke remonte à trente ans. Pourquoi n’a-t-elle pas de date d’expiration ? 

J’ai rencontré Jim il y a longtemps, dans les années 90. Avec Peter Rehberg, malheureusement décédé en 2021, nous avions formé un groupe : Fenn O’Berg. Nous avons beaucoup tourné en Europe et au Japon, car Jim vit au Japon depuis 2005, après avoir quitté Sonic Youth.  

Selon toi, quelles sont ses plus grandes qualités en tant que musicien ? 

Il sait tout faire. Il maîtrise tous les styles et tous les instruments. On pourrait dire qu’il est un homme de la Renaissance. Je reconnais immédiatement sa griffe quand c’est lui qui a produit ou même mixé un disque : son travail est toujours très subtil et raffiné. Pour moi, c’est l’un des plus grands, et j’ai beaucoup de chance de pouvoir à nouveau jouer avec lui après tant d’années. La dernière fois que nous avons joué ensemble, c’était au Japon, il y a peut-être douze ans. 

« Nous sommes comme des enfants qui jouent ensemble. L’un a une idée, l’autre la développe, puis le premier y ajoute à nouveau quelque chose. » 

Que pouvons-nous attendre du concert avec O’Rourke ? Des morceaux tirés de It’s Hard For Me To Say I’m Sorry, d’anciens morceaux de l’époque Fenn O’Berg ou de nouvelles créations ? 

Ce sera quelque chose de complètement nouveau. Nous ne savons pas encore exactement quoi, car la plupart du temps, notre travail est basé sur l’improvisation. Quand nous improvisons, Jim et moi, il se passe quelque chose de particulier : c’est comme si nous jouions des thèmes ou des morceaux à moitié finis et que l’autre y réagissait. C’est presque comme si nous composions ensemble sur scène. C’est donc très différent de l’improvisation libre qu’on trouve dans le jazz. Il n’y a pas de questions-réponses, mais nous créons quelque chose en temps réel. 

Sur votre dernier album solo Mosaic (2024), la guitare semble revenir au premier plan, elle est plus physique et plus audible. Était-ce un choix délibéré ? Elle a toujours été un point d’ancrage, n’est-ce pas ? 

Parfois, c’était délibéré, en effet. Lorsque je travaillais sur cet album, j’essayais de ne pas avoir trop d’options en studio pour éviter de m’y perdre. Je me suis donc concentré sur la guitare, quelques synthés logiciels et des effets.  

Quand je joue Mosaic en live, je fais beaucoup plus attention au son live que pour les albums précédents, car il doit vraiment être grandiose et y avoir beaucoup d’espace. J’ai donc hâte de le présenter dans la nouvelle Salle M de Bozar. Je pouvais jouer Endless Summer ou d’autres morceaux en poussant le volume dans un club punk et, d’une certaine manière, ça marchait. Mais pas avec Mosaic. Il faut un bon système de sonorisation.  

Comment trouvez-vous l’équilibre entre l’analogique et le numérique dans votre processus de création et de production ? 

Au fil des années, j’ai trouvé ma voie. Parfois, je n’utilise aucun instrument analogique et les gens trouvent le son très analogique. Et inversement ! (rires) Bien sûr, mes guitares sont analogiques et j’ai beaucoup de pédales que j’adore, mais au final, tout passe par l’ordinateur. J’ai des plug-ins sur lesquels j’ai beaucoup travaillé, je les ai modifiés jusqu’à ce qu’ils sonnent comme je le voulais. C’est toujours un mélange entre l’analogique et le numérique. J’utilise toujours de très bons égaliseurs et compresseurs analogiques, mais parfois aussi un plug-in numérique qui sonne tout aussi bien. Peu importe. Si ça sonne bien, ça sonne bien. 

Ce qui est sûr, c’est que les concerts de Fennesz seront un régal pour les oreilles. Venez découvrir notre artiste phare cette saison à l’œuvre à trois reprises au printemps.