Philharmonia Orchestra & Santtu-Matias Rouvali

Sergueï Rachmaninov (1873-1943)
Concerto pour piano et orchestre n° 2, op. 18 (1900-1901)

• Moderato
• Adagio sostenuto
• Allegro scherzando

pause

Dmitri Chostakovitch​​​​​​​ (1906-1975)
Symphonie n° 10, op. 93 (1953)

• Moderato
• Allegro
• Allegretto
• Andante - Allegro

Durée : +/- 2h

Retournement après la crise 

Comme beaucoup d'artistes, les compositeurs sont soumis à des périodes de crise artistique. Avec Rachmaninov et Chostakovitch, nous sommes en présence de deux compositeurs confrontés à une nouvelle phase de leur œuvre. Pour Rachmaninov, son Deuxième Concerto pour piano signait la reprise après un échec antérieur. Pour Chostakovitch, la Dixième Symphonie était sa première composition d'envergure après la mort de Staline. Malgré des contextes différents, les deux œuvres montrent les émotions contrastées qu'implique une telle crise : la certitude retrouvée et le doute renouvelé alternent, de sorte que le triomphe final n’est jamais entièrement convaincant. Il ne reste que l'espoir d'un nouvel élan. 

Deuxième souffle 

Lorsque Sergueï Rachmaninov écrivit son Deuxième Concerto pour piano, il sortait d'une crise artistique. Sa Première Symphonie avait été créée en 1897, mais fut un échec, en partie à cause de la mauvaise interprétation du chef d'orchestre, et Rachmaninov avait subi les critiques de plein fouet. Après ce fiasco, il ne coucha pas une seule note sur papier pendant un certain temps, jusqu'à ce qu'il se remette enfin sur les rails après un traitement avec l'hypnothérapeute Nikolay Dahl. Avec la création de son Deuxième Concerto pour piano en 1901, Rachmaninov confirme avoir surmonté la crise. En fait, ce concerto marque même le début de la période la plus fructueuse de sa carrière : au cours des seize années suivantes, il compose l'essentiel de son œuvre. 

La musique prouve à quel point Rachmaninov a d’une part surmonté une crise, d’autre part amené son style à maturation. Dans l'introduction du premier mouvement, il s'écarte immédiatement de son Premier Concerto de jeunesse : au lieu d’introduire l’œuvre avec des cuivres et un piano extravertis, il opte pour des accords de piano feutrés, qui prennent lentement de l’ampleur. Les cordes énoncent ensuite le premier thème mélancolique, suivi du deuxième thème lyrique du piano. Dans le passage qui suit, des éléments tirés des deux thèmes défilent jusqu'à ce que le premier revienne dans toute sa splendeur, accompagné d'une contre-mélodie du piano sur un rythme martial puissant. Les cors reprennent le deuxième thème, mais un passage virtuose du piano ramène finalement ce mouvement dans l'atmosphère mélancolique initiale. Le deuxième mouvement lent, après une brève introduction, entre dans une atmosphère tendre grâce à un thème chantant de la flûte, qui persiste pendant presque tout le mouvement. Le thème principal du mouvement final, comme souvent chez Rachmaninov, est plus rythmique que mélodique et propulse progressivement la musique vers un point culminant, dans lequel triomphe ici la tonalité majeure de do majeur. 

Un avenir plus libre ? 

La Dixième Symphonie de Dimitri Chostakovitch vint clore une période de crise ayant débuté en 1948, lorsque l'homme politique Andreï Zhdanov l'accusa de composer davantage pour la forme que pour le peuple. Cette allégation rendit Chostakovitch, déjà critiqué par le régime soviétique, quelque peu réticent à composer. Alors qu'il avait écrit une nouvelle symphonie tous les deux ans pendant la décennie précédant 1948, sa Dixième Symphonie ne fut publiée qu'en 1953, juste après la mort de Joseph Staline. Elle est donc souvent interprétée comme un règlement de comptes avec Staline et l'expression de l'espoir d'un avenir plus libre. S'il est certain que Chostakovitch souffrait de ses relations tendues avec le pouvoir, une telle lecture programmatique nierait les mérites de sa Dixième Symphonie. En effet, le savoir-faire qu'il avait acquis avec ses symphonies précédentes atteint ici son paroxysme. Le premier mouvement commence lentement et dans la retenue, avec les cordes graves en tête. La clarinette présente le premier thème mélancolique, qui laisse la place à un court tutti orchestral avant de refaire surface. Immédiatement après, la flûte présente le deuxième thème, d'une grande légèreté. Dans le reste du mouvement, des éléments thématiques apparaissent sous des formes toujours différentes. Chostakovitch démontre surtout ici sa maîtrise sans faille de l'orchestre : à chaque fois, il travaille avec soin pour parvenir à un point culminant. À la fin, cependant, il amincit la texture jusqu'à ce qu'il ne reste plus que quelques instruments. La tension reste ainsi suspendue dans l'air, comme l'illustre bien le doux roulement des timbales. 

Le deuxième mouvement est un scherzo court mais explosif. Les cordes introduisent un puissant motif d'accompagnement, suivi d'un thème aux bois qui s'accélère soudainement et s'élève de manière incontrôlable. Plus tard, les cuivres et les percussions ajoutent également de la force à l’atmosphère endiablée et mordante. Le troisième mouvement, quant à lui, est empreint d’une plus grande légèreté. Les violons présentent un thème dansant en imitation. La flûte et le piccolo introduisent ensuite un second thème qui porte la signature musicale du compositeur : comme souvent, Chostakovitch utilise ici un motif dérivé de ses initiales, à savoir D.SCH, qui se traduit par les notes ré - mi bémol - do - si. Cependant, ces thèmes sont interrompus par un appel de cor récurrent, auquel l'orchestre ne semble pas trouver de réponse satisfaisante. Même lorsque l'appel de cor émerge au cours d'une version forte et pesante du deuxième thème, la musique s'éteint finalement sans avoir été résolue. Le finale commence par une introduction lente. Dans une atmosphère indéterminée, les bois jouent continuellement un motif ascendant qui semble faire écho à l'appel de cor du mouvement précédent. Ce motif se poursuit et s'avère finalement être un prélude au thème festif des violons. Avec cette réponse radieuse à l'appel de cor, toutes les tensions semblent résolues, jusqu'à ce que des souvenirs de la deuxième partie mordante viennent à nouveau jeter le trouble. Ce n'est que lorsque tout l'orchestre joue le motif D-S-C-H de Chostakovitch que les démons du deuxième mouvement s'apaisent. Alors que le finale finit par atteindre l'apogée festive promise, ce motif revient sans cesse. Il semble que l'incertitude de Chostakovitch quant aux temps nouveaux qui allaient s'ouvrir l'ait contraint à se rabattre sur la seule chose dont il pouvait encore être sûr : sa propre identité artistique, résumée en quatre notes. 

Robbe Beheydt (traduit par Judith Hoorens)